Bacharel em percussão pela Universidade Federal de Santa Maria, Mestre e Doutor em Educação pela Universidade de Passo Fundo, onde ajudou a criar o curso de percussão por lá, ao longo dos anos Sandro Cartier participou de inúmeros encontros por diversas cidades brasileiras, dos Estados Unidos e da Europa. Nessas andanças, participou de conversas, workshops, ministrou cursos, disseminou seu ofício e se apresentou em universidades, auditórios, casas de espetáculo e espaços populares, muitas vezes dividindo o palco com músicos de renome internacional. Entre seus feitos, também fez trilhas-sonoras para peças teatrais e para a TV, como o programa Mundo da Leitura (parceria entre o Canal Futura e UPF), laureado em vários prêmios estaduais e nacionais, entre eles, o troféu Açorianos de Literatura e três Galgos de Ouro no Gramado Cine Vídeo. Como percussionista colaborou em trabalhos de bandas e músicos nativistas como César Passarinho, Luiz Carlos Borges, Luiz Marenco, Pirisca Grecco, Joca Martins; além de tantos outros artistas nos mais diversos gêneros, nomes como Zé Caradípia, Estado das Coisas, The Hard Working Band, Ney Rosauro, entre tantos.

Só pela vida acadêmica e pela atuação musical já mereceria nossa atenção, mas Cartier vai além. Ele também lançou três livros infantis, sempre alçando a música e os instrumentos de percussão como mote para instruir jovens e estudantes. Além disso, o músico capitaneou diversas ações sociais gratuitas, utilizando a percussão em suas mais diversas formas, percutindo um despertar para o labor musical na garotada das periferias gaúchas. Nessa seara, o destaque fica por conta de O tambor Vai a Escola, projeto que leva curiosidades sobre o processo de composição de seus livros infantis até instituições públicas de ensino periféricas ou de difícil acesso. Para isso, durante o período pandêmico — com a ajuda do pai —, customizou uma Kombi e transformou-a em motorhome, criando um projeto itinerante que já passou por diversas cidades. Assim, busca conhecer lugares, pessoas, atores fora do círculo do mainstream, forjando uma reconexão com a diversidade das coisas e do mundo ao seu redor.

Foto:  Ronald Mendes

NOVA ETAPA EM SUA CARREIRA

À sombra de uma maturidade artística, aos 56 anos, Sandro Cartier resolveu partir para o autodesafio de abrir uma nova janela nessa trajetória. Apesar da estranheza de muitos em enxergarem o músico como um violonista – o violambau, instrumento híbrido de violão e berimbau, construído por ele –  assim como o próprio violão, sempre estiveram presentes em suas atuações. Ao longo dos últimos anos, compôs canções com espírito pop, soltou a voz e jogou luz no violão. Alguns desses temas contém parcerias com letristas importantes da música feita no Rio Grande do Sul: Tulio Urach, Bianca Bergman, Carlos Omar Villela Gomes, Juca Moraes e Jaime Brum Carlos. O primeiro single, “Rosa Amarela”, previsto para chegar às plataformas de streaming no próximo dia 1º de maio, é uma composição com letra inédita de Luiz Coronel, um nome que dispensa apresentações. Além de cantar, tocar vários instrumentos, arranjar e fazer programações, “Rosa Amarela” traz participações de Guto Wirtti (baixo) e João Vitor Cembranel (piano). No segundo semestre, Sandro Cartier pretende lançar um EP com mais quatro canções, temas que antecipam um futuro álbum a ser lançado em 2025.

Foto: Guto Albuquerque

Foto: Guto Albuquerque

Arte sobre foto de Adriana Moraes por Diego De Grandi

| Por Elmo Köhn |

A Cooperativa dos Estudantes de Santa Maria — Cesma — (Rua Professor Braga, 55), começa o ano com novidades. Os produtores culturais Paulo Teixeira e Márcio Grings serão responsáveis pela produção artística e curadoria do Auditório João Miguel de Souza. As boas novas começam pelo reinício dos espetáculos musicais com show agendado para o final de março. Entre as ações de retomada, o destaque está no retorno do Lanterninha Aurélio, um dos cineclubes mais antigos do Brasil. Fundado em 1978, prosseguirá em 2024 no objetivo de popularizar e facilitar o acesso ao cinema, à informação e à cultura em geral. Com reinício previsto para abril, a programação completa será divulgada em breve. Além disso, o auditório também deve receber peças de teatro e continuará fornecendo palco e estrutura para eventos culturais.

Foto: Adriana Moraes

A reestreia do ambiente com apresentações musicais será no dia 30 de março, sábado, às 19h, — na estreia do Concertos para a Juventude —, com show da banda Hurricanes. Promoção Cineclube Lanterninha Aurélio. Oferecimento Casa do Pastel, SM Medical e Viação Centro Oeste. Apoio Beltex e Climaster. Produção Grings Tours e 70. Realização Cesma. Ingressos R$ 30 (Tíquetes físicos na Cesma (somente em dinheiro) ou via PIX pela chava CNPJ 26019724000170 (Grings) – descrição Hurricanes Ingresso.

Leia o review do álbum de estreia da Hurricanes

Surgida em Santa Maria no ano de 2016, dois anos depois Rodrigo Cezimbra (voz) e Leo Mayer (guitarra) se mudaram para São Paulo, onde conheceram Henrique Cezarino (baixo) — e mais tarde Lucas Leão (bateria) veio do Rio de Janeiro. Em 2023 lançaram um autointitulado álbum de estreia (ouça AQUI), relacionado como destaque do ano em vários sites especializados. Nas oitos canções do disco o grupo resgata o espírito do hard rock feito na conjunção nos anos 1960/70, batendo de raspão no blues e outras afluências, isso sem se desconectar de uma sonoridade contemporânea.

Reprodução presskit Hurricanes

Hurricanes no show de abertura para o Black Crowes em março de 2023. Foto: Camila Cara

| Graxelos: Vítor, Grings, Petracco, Telles, Murilo e Vini. Arte sobre foto de Zé Carlos de Andrade por Diego De Grandi |

| Por Elmo Köhn |

Ao longo da história, muitas pessoas têm procurado criar, encontrar ou imaginar O PARAÍSO TERRESTRE, um lugar onde haja paz, harmonia e que ofereça alívio para todo o esforço e a dor que atormentam a existência humana. James Hilton fantasiou essa égide no romance “Horizonte Perdido“, lançado originalmente em 1933. O oásis do escritor inglês está nas cadeias montanhosas dos Himalaias, próximo à fronteira com o Tibete, um povoado conhecido como Shangri-la. Aqui no Brasil, a obra até inspirou uma cidade homônima, Xangri-lá (com x), destino turístico localizado no Litoral Norte gaúcho. Ao lado de milenares “cidades perdidas” — como Shambhala, Atlântida e El Dorado — no mesmo sentido da alegoria utópica imaginada por Hilton, Shangri-la passou a fazer parte do léxico popular como sinônimo do paradisíaco. Na música, Aretha Franklin, The Kinks, Mark Knopfler, The Waterboys, ELO e dezenas de outros artistas e bandas, criaram temas onde esse refúgio edênico é mencionado. Nos anos 1960, um grupo feminino formado por irmãs assim se intitulou e, aqui no Brasil, Rita Lee também almejou um retiro semelhante: “Se me der na telha sou capaz de enlouquecer/ E mandar tudo pra aquele lugar/ E fugir com você pra Shangrilá“. E ainda nesse contexto, surge a lembrança de certo local em Malibu (CAL) nos anos 1970, onde The Band fez casa e gravou “Northern Lights” (1975) e “Islands” (1977), estúdio comprado pelo produtor Rick Rubin, ainda hoje utilizado por diversos artistas do nosso tempo.

Somando-se a essa mítica, ao ouvirmos Shangri-lá (com hífem e com acento, de acordo com as regras da língua portuguesa), estreia discográfica dos Graxelos, podemos afirmar que o olimpo musical sonhado pelo grupo gaúcho encontra irmandade e afluências com o folk, country rock, gospel, blues, soul e o som setentista, além de oferecer batidas de raspão na MPB, isso sem deixar de nos entregar uma identidade sul-brasileira. 

NOME DA BANDA —

O nome da banda advém de uma corruptela da palavra graxaim (ou zorro [lê-se sôrro]), canídeo com hábitos crepusculares e noturnos que vive no Sul do Brasil, Paraguai, Bolívia, Argentina e Uruguai. Tolerante à perturbação humana, é comum vê-lo em áreas rurais (e até próximo aos centros urbanos), acusado por muitos de predação aos animais domésticos, sendo perseguido por essa má fama, e que, segundo alguns estudos e observações, não é verídico. De todo o modo, se de fato o animal é adepto a esse modo e vida, entre a ficção e a realidade, o grupo propaga a crença na bem-aventurança do bicho. 

Grings, Petracco, Vítor, Vini, Telles e Murilo. Arte de Diego De Grandi baseada em foto de Zé Carlos de Andrade.

AS CRENÇAS E A VIAGEM LÍRICA —

Como numa fantasia idílica, ungidos pelo espírito indômito de redenção do graxaim como símbolo de sobrevivência, os Graxelos buscam o ideário artístico em algumas das qualidades e características do zorro gris pampeano, nutrindo um desejo profundo de imersão no seu fabulário. Parte das letras do álbum encontra na natureza e na fuga dos grandes centros essa aventura bucólica e escapista. A viagem lírica do personagem — no que se refere ao conteúdo das narrativas de Márcio Grings —, traça uma espécie de jornada do herói, que, mesmo sem ter uma aparente ligação temática, produz um percurso com início, meio e fim, tomando por base a ordem das faixas e o que é narrado. Nessa busca, Shangri-lá surge como templo de reflexão e campo de força contra a ordem das coisas, concepção desenhada em canções como “Nos olhos de quem vê”, “Água límpida”, “Força superior”, “Jornais e açúcar”, “Desde que perdi a minha fé” e na faixa-título. O fracasso como domo de aprendizado para um novo recomeço versa em “Tropica, mas não cai”; a solidão, as privações e as ondulações da existência são exploradas em “Copos de plástico”; assim como o romance desencaixado é tema da valsa caipira “Naipe de metais”. Já em “O viajante”, o personagem central que gira o Sul do mundo por tantos lugares, aparentemente um espírito livre de tudo e de todos, ao final, confessa que não passa de um homem preso aos grilhões de um amor distante ou inatingível. Se fizermos o exercício de separar as letras das canções, boa parte das narrativas funcionam como poemas, denotando um propósito literário nessas criações. Confira as 10 letras de Shangri-lá AQUI

O INÍCIO DE TUDO E A FORMAÇÃO —

Alocados em extremos opostos do mapa rio-grandense, o sexteto que materializa esse trabalho reúne esforços e artistas de três cidades gaúchas: Porto Alegre, Santa Maria e Vacaria, o que demandou um esforço logístico para os encontros e ensaios. A faísca dessa reunião musical se deu inicialmente em janeiro de 2022, quando Gustavo Telles e Márcio Grings começaram a compor um tema pelo WhatsApp (Jornais e açúcar). Sete meses depois, em Porto Alegre, a dupla se juntou para finalizá-lo. De lá, partiram para Vacaria e, durante cinco dias, ora na casa de Telles, no centro da cidade, ora isolados numa propriedade na zona rural, sete novas composições foram forjadas. Depois rumaram para Santa Maria, cidade natal de Grings, onde arrebanharam Vinicius Brum, Vítor César e Felipe Quadros — banda base dos primeiros ensaios no Bairro Chácara das Flores. Em 2023, mais encontros ocorreram em Santa Maria (na casa da família Saurin), e outros dois em Porto Alegre (Estúdio Cegonha), já com a presença de Marcio Petracco e Murilo Moura. A banda também fez sua estreia ao vivo no Rock and Blues Festival, em 15 de julho de 2023, no Espaço Mainz, em Santa Maria. Assim, em cerca de dois anos, com 13 temas na pauta, 10 foram empacotados para essa estreia discográfica. 

Arte de Diego De Grandi baseada em foto de Zé Carlos de Andrade.

ENSAIOS, GRAVAÇÃO E FICHA TÉCNICA —

Ao raiar de 2024, a formação atual dos Graxelos conta com o ex-Pata de Elefante Gustavo Telles — voz, violão, bateria e voz de apoio, detentor de uma carreira solo expressiva sob a escuderia d’Os Escolhidos, além do ex-TNT e Cowboys Espirituais, atual Conjunto Bluegrass Porto-Alegrense, Marcio Petracco — pedal steel, violão Weissenborn, guitarra slide, bandolim e voz de apoio, dupla que empresta sua experiência, credibilidade e selo de qualidade ao projeto. Ainda no time está Murilo Moura — piano, teclados e vozes de apoio, requisitado e talentoso instrumentista vacariense residente na capital gaúcha; mais Vinicius Brum — voz, baixo, violão e voz de apoio e Vítor Cesar — voz, guitarra, violão e voz de apoio. Márcio Grings — harmônica — é o letrista e parceiro de composição de Telles em todas as faixas, exceto “Tropica, mas não cai”, também escrita pela dupla, mas baseada em uma demo do guitarrista Vítor Cesar. O trabalho conta com participações especiais do ex-Cascavelletes Luciano Albo (baixo, violão de 6 e 12 cordas, guitarra, percussão e voz de apoio), do integrante da Pata de Elefante Daniel Mossmann (guitarra) e de Eliézer Moreira (trompete). 

A maior parte de Shangri-Lá foi captado por Luciano Albo em apenas 10 dias —  entre 25 de setembro e 4 de outubro de 2023 — , no Estúdio Cegonha, em Porto Alegre. A exceção está no piano, gravado por Murilo Moura no Estúdio Tabuleiro, de Diego Lopes (Acústico & Valvulados), além da participação de Daniel Mossmann, criadas no seu home studio. A mixagem e a masterização, realizada entre outubro de 2023  e fevereiro de 2024, tem a assinatura de Luciano Albo. A produção musical une forças entre Gustavo Telles, Márcio Grings e Luciano Albo. 

STREAMING, LANÇAMENTO, CD e LP —

Já disponível em streaming, o disco chegará no formato físico — em CD, com show de lançamento no Bar do Alexandre (Rua Saldanha Marinho, 120 – Menino Deus, Porto Alegre), e no Auditório da Cesma (Professor Braga, 55 – Centro, Santa Maria), respectivamente nos dias 5 e 6 de julho. Já o LP estará disponível até o final de 2024. A imagem da capa é baseada em uma foto de Zé Carlos de Andrade, com arte de Diego de Grandi, responsável pelo desenho gráfico do álbum. 

AS MÚSICAS —

A influência do rock feito na conjunção dos anos 1960/70 é um dos signos solares da obra. É o caso de TROPICA, MAS NÃO CAI, tema com a digital de Vítor Cesar, autor da melodia e motor de propulsão com sua guitarra operando em alta octanagem. A voz de apoio de Murilo Moura — na volta do solo — surge como o agitador no fundo da sala. 

Veja o clipe de “O Viajante”.

Primeiro single do trabalho, O VIAJANTE está impregnado de referências comuns ao rock dos anos 1960/ 70, isso sem omitir o DNA gaúcho. Temos aqui o espírito das canções estradeiras, pois são nominados diversos lugares e as visões de um andarilho (ou vários viajantes em um só). A trip percorre cidades como Santa Maria, Vacaria, Uruguaiana, Porto Alegre, Passo Fundo e Bagé, todas no Rio Grande do Sul, além de costear o Rio da Prata até Buenos Aires. Conduzidos pela voz principal de Gustavo Teles — em dado momento Vini Brum e Vítor Cesar assumem estrofes e invertem os papeis. Assim “O Viajante” coloca o ouvinte no volante de um automóvel, avançando por BRs e estradas de chão, apreciando as paisagens, ondulando frente às vicissitudes e deslumbramentos de cada trecho. 

Embalada nos floreios do violão Weissenborn de Marcio Petracco e pelo piano honky-tonk de Murilo Moura, NAIPE DE METAIS apresenta um romance aberto e sem final feliz. Em alguns trechos temos vocais combinados de Gustavo Telles e Vinicius Brum, até ouvirmos a frase derradeira: “Me despeço, e por favor maestro, que venha o naipe de metais“, anúncio da entrada do trompetista Eliézer Moreira, participação que despeja melancolia nos segundos finais do tema. A contemplação da natureza como antídoto frente à confusão urbana está em NOS OLHOS DE QUEM VÊ, faixa mais curta do álbum com 3min18. A espinha dorsal acústica, onde pulsa o talento de Luciano Albo no baixo, rejunta simplicidade e sofisticação. O pedal steel e a harmônica jogam no time do folk rock, assim como os vocalizes do refrão adesivam ares de MPB. 

Arte de Diego De Grandi baseada em foto de Zé Carlos de Andrade.

Arte de Diego De Grandi baseada em foto de Zé Carlos de Andrade.

Longa vida aos Graxelos. 

Graxelos fotografados por ZCA na Rua Edmundo Bastian, Cristo Redentor (Porto Alegre/ RS), quase em frente ao estúdio Cegonha.

GUSTAVO TELLES | Vacaria

 

Compositor, cantor, produtor e multi-instrumentista, Gustavo Telles integrou a Pata de Elefante. Desde 2010 começou uma trajetória solo com a escuderia d’Os Escolhidos, gravando quatro álbuns de estúdio e um registro ao vivo.

 

 

MARCIO PETRACCO | Porto Alegre

Integrante do Conjunto Bluegrass Porto-Alegrense, multi-instrumentista, cantor e compositor, Márcio Petracco fez parte do TNT, com quem gravou uma série de clássicos. Também integrou os Cowboys Espirituais, Locomotores, Trem 27, entre outros grupos e projetos musicais.

 

 

 

MURILO MOURA | Porto Alegre

 

Sempre se utilizando da influência do blues, jazz, funk e da música dos anos 1960/70, Murilo Moura é pianista, tecladista e compositor. Já trabalhou com artistas como Alemão Ronaldo, Gustavo Telles, Dingo, Júpiter Maçã, entre outros.

 

 

VINI BRUM | Santa Maria

Baixista, violonista, cantor e compositor, Vini Brum gravou álbuns e ainda se apresenta com a Rinoceronte e Poços & Nuvens. Além de protagonizar o projeto itinerante Cantigas do Rock, acaba de lançar “Sereno” (2023), seu primeiro álbum solo.

 

 

VÍTOR CESAR | Santa Maria

O guitarrista e compositor Vítor Cesar participou de diversos projetos musicais no Centro do RS. Gravou e fez shows com a banda Inseto Social. É um dos fundadores da Kingsize, grupo de blues que é destaque na cena santa-mariense.

 

 

MÁRCIO GRINGS | Santa Maria

Ontem estava eu numa reunião que prospectava a edição de um livro e fui perguntada sobre, afinal, o que é esse mercado da arte.  E quero aqui contar a vocês um pouco sobre o desenvolvimento da conversa.

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Bem, podemos simplesmente dizer que o mercado em geral, é um lugar onde se comercializam serviços e produtos. Hoje, este lugar além de físico é também virtual. Podemos produzir, vender ou comprar qualquer coisa e estas transações funcionam segundo leis de oferta e demanda.

Existem vários tipos de mercado. O mercado oficial que segue regulamentos e cotações previamente determinadas; o mercado livre, sem regras fixas e o mercado paralelo ou mercado negro, que comercializa bens clandestinos.

O mercado das artes, por incrível que pareça, também é assim. As obras são produzidas por artistas e vendidas nestes três tipos de mercado. Também são comercializadas diretamente pelo artista aos interessados, ou através de intermediários. Este comércio é praticado tanto por pessoas físicas, jurídicas ou instituições.

Há também no mercado da arte uma prática muito recorrente chamada consignação. A consignação de obras de arte é um contrato comercial de venda, no qual o artista disponibiliza suas produções, como um empréstimo, para ficarem à mostra no espaço de exposição, até que alguém se interesse em adquirí-las. No preço final já está embutido quanto será repassado ao artista e quanto será a porcentagem do vendedor, caso a transação seja realizada.

O comerciante no caso, começa com uma vantagem: sem despender dinheiro recebe obras de vários artistas.  Assim reúne uma diversidade de produtos com potencial para atingir um maior número de compradores.

Esta prática do consignado acontece também no mercado livreiro. Os espaços de vendas de livros funcionam quase somente desta forma, deixando a margem de lucro dos autores e editores, lá embaixo. Claro que os acordos de grandes editoras com livrarias não são bem assim. As negociações, segundo os interesses, se diferenciam.

A venda de obras de arte tem muitos vieses. O comerciante pode transformar um artista em best-seller ou deixá-lo no limbo. E isso independe da qualidade da obra. O artista, não estando presente no espaço expositivo na hora das visitas de compradores, fica à mercê da boa vontade do vendedor que apresenta esta ou aquela obra, direcionando a compra.

Sendo a tendência da atualidade privilegiar obras neutra e mais decorativa, ou seja, mais digestivas, certamente as que contemplam estas características serão as primeiras a serem comercializadas pois não exigem muitos argumentos para o convencimento do comprador e este, por sua vez, não terá que se relacionar com ela de maneira exigente. Logo, as vendas se alicerçam mais no marketing e na influência de formadores de opinião, hoje chamados de influencers, construídos e disseminados pelas redes sociais como uma praga. E ainda: artistas mortos e portanto com quantidade limitada de obras, tendem a ser os mais caros e desejados desse comércio.

O VALOR DAS OBRAS DE ARTE

 O valor atribuído a uma obra de arte, resulta de uma construção social. Esse valor, já que a qualidade de uma obra não é objetiva, depende de vários fatores. Um artista pode adquirir estatuto no mercado pelo tempo que atua na sociedade em que vive. Suas relações sociais, ao longo da vida, vão permitir aos seus contemporâneos, uma ideia da qualidade dos objetos artísticos que produz. Esta avaliação não é baseada nas propriedades intrínsecas das obras mas na posição ocupada pelo artista em seu contexto social. Adquire também valor pelas apreciações que recebe de analistas, historiadores, marchands e especialista na área.

O mercado da arte difere de outros mercados quanto à valores. O preço final de uma obra de arte não é baseado no custo de produção nem de mão de obra, mas em fatores abstratos.

Numa sociedade de consumo como a nossa, a legitimação de uma produção artística é processada de acordo com o mercado. Quem trabalha com arte, na ponta de sua comercialização, sabe que vai precisar inventar cada vez mais diversidade e quantidade de ofertas, ficando em segundo plano a qualidade do produto.

Diversidade em quantidade e valor monetário são então os parâmetros assumidos pelo mercado da arte. Diante disso, a necessidade de criar rapidamente a reputação de novos artistas torna-se evidente. Eles serão apresentados aos consumidores, através da coordenação de estratégias, que possibilitem aos potenciais compradores, acreditarem nos novos produtos. Estes, na maioria com precária cultura artística, buscam a opinião dos ditos especialistas, para concretizarem seus investimentos. Pois a aquisição de uma obra é vista como investimento.

Um trabalho conjunto entre negociantes e artistas se estabelece para a produção e comercialização destes produtos. Através destas estratégias, as obras de arte se igualam a qualquer produto de supermercado. O processo de seleção das obras se torna semelhante ao de qualquer produtos onde o que se busca é objetividade e bom preço. Mas também onde o que se busca é status. E é por esta busca que a aquisição de uma obra se distancia de produtos corriqueiros e entra no rol do mercado do luxo.

Um local de venda de arte tem seus custos. Aluguel, conta de luz, água, funcionários e assim vai. Criar o interesse do público é fundamente para estimular as aquisições pois sem elas o estabelecimento fechará suas portas.

A producão da arte, sua circulação, sua legitimação e consumo, constituem o sistema das artes. Na ponta está o artista produtor, depois os espaços de amostragem que pode ser o próprio atelier do artista, as galerias, os museus, as instituições culturais, a internet e assemelhados. Em seguida a legitimação, através dos críticos, dos formadores de opinião, dos especialistas em história da arte, dos marchands e da mídia. Fechando o sistema está o mercado consumidor, constituído por pessoas físicas, jurídicas ou instituições governamentais. Tudo isto atua em conjunto na construção do valor das obras.

A ARTE ATRAVÉS DA HISTÓRIA

 Vamos entender – muito suscintamente –  como o universo da arte chegou até o século XXI. Para isto teremos que retornar à Florença do século XV quando o mercado cultural surgiu e com ele a palavra artista. Pois foi nesta época que os artistas começaram a se independizar da igreja e da corte, coincidindo com o surgimento dos primeiros museus, das primeiras galerias, dos primeiros teatros e das salas de concertos.

Surgiram os  mecenas,  ricos e poderosos comerciantes, príncipes, condes, bispos e banqueiros que financiavam e investiam na produção de arte como maneira de obter reconhecimento e prestígio na sociedade. Eles foram de extrema importância para o desenvolvimento da escultura, pintura, literatura e arquitetura, durante o período do Renascimento Cultural (séculos XV e XVI).

A burguesia, classe social que enriqueceu muito com o renascimento, viu na prática do mecenato e na compra de títulos de nobreza, uma forma rápida de ascensão social.

Com o desenvolvimento das grandes navegações, os colonizadores europeus ao conquistarem novas terras, levavam para seus países, objetos dessas cultura e os exibiam nas metrópoles.

Os artistas, até a Idade Média, não buscavam nem originalidade nem criatividade,  trabalhavam coletivamente repetindo códigos e símbolos da  igreja e da corte.

Ao surgir o capitalismo, a burguesia e a aristocracia se aproximaram da intelectualidade fazendo surgir um novo público para as atividades artísticas. Criado então, o mercado específico para os objetos culturais.

A reforma religiosa, acabando com a decoração dos altares e a pintura de afrescos, deixa os artistas sem trabalho, e eles reagem produzindo obras não solicitadas. E quem iria vendê-las?  Surge aí a figura do marchand.

A liberdade conquistada pelos artistas, ao se independizarem do clero e da corte, precisava de uma estabilidade. Surgem os contratos vitalícios firmados com os comerciantes de arte.  Em troca de moradia e comida, os artistas produziam obras com temas encomendados pelos cliente dos marchands. Esta prática se estendeu por toda a Europa e principalmente na França, Holanda e Itália.

Aumenta assim o individualismo, deslocando a atenção da obra para a figura do autor, sendo a assinatura, nas obras, também extremamente valorizada.

Nos séculos XVII e XVIII interpõe-se o mercado entre a produção das obras e seu consumo. A partir daí o artista passa a ignorar quem é seu público e o que é feito com sua obra, dando a ele a impressão que é livre para criar. Isola-se para produzir construindo um mundo à parte. Nesta época, a escultura e a pintura se desvinculam da arquitetura, deixando de ser uma criação coletiva, como na Idade Média, para exercer uma função separada da construção. Surge a pintura de cavalete e a escultura de pedestal povoando as propriedades privadas da época.

A ARTE DEPOIS DO SÉC. XIX

Até o séc. XIX a arte parecia ter o poder de realizar o ideal que a vida não conseguia. E a estética deste tempo ainda não havia conseguido aproximar os fatores psicológicos e sensível da produção artística.

A partir do séc XIX, o criador romântico e idealizado, produz sua obra com os pé na terra e revoluciona, liberando a imaginação atrofiada e seu inconsciente.

A ARTE NESTE MUNDO GLOBALIZADO

Inteligência e entendimento se articulam no ambiente em que vivemos. Nele afetamos e somos afetados. As determinações globais influenciam, senão de maneira direta, de maneira indireta nosso comportamento. A vida artística local, com suas autênticas características, fica sufocada pelas ofertas vindas de um mercado exterior que domina o ciclo de criação, produção, distribuição, promoção e recepção de bens cultural.

O que chega até nós, fica por conta de um sistema manipulatório cujas diretrizes vão ao encontro dos interesses acordados pelas indústrias de consumo.

Para exemplificar, cito o caso da Pantone. Todo ano a Pantone, empresa americana de consultoria de cores, apresenta ao mundo, o que determina ser a cor do ano para o universo da moda, do design e da decoração. E o recado fica dado: quem utilizar a cor do ano em suas criações está dentro da moda, quem não, está literalmente fora.

A indústria cultural, produz bens culturais padronizados para manipular a sociedade de massa. Por influência dela, as pessoas tornam-se dóceis por mais difíceis que sejam suas circunstâncias econômicas.

Esta indústria, cria falsas necessidades psicológicas que só podem ser atendidas pela compra de produtos de consumo. Produtos estes padronizados e homogeneizados para serem consumidos pela maioria das pessoas. Assim o sujeito consumidor passa a ser tratado como objeto. A intenção da industrial cultural não é promover conhecimento, pois este re-sulta em questionamentos, rompimento de paradigmas, busca de novas resposta e o desejo de mudanças. A indústria cultural está voltada para aproximar o sujeito do consumo.

As produções culturais, e particularmente a arte, tornaram-se terrenos fáceis de manipulação. A indústria cultural e a comunicação de massa se aliaram nesta tarefa.

ARTE PARA CONSUMO

Com o surgimento da nova classe média, cultura e arte se adaptam a um novo público, deixando de lado a sua verdadeira essência. O sistema dominante necessitando de lucro, fomenta a alienação massificada para a sua sobrevivência e transforma a cultura em mais um dos instrumentos do capitalismo.

O termo indústria cultural, designa o fazer artístico sob a lógica da produção industrial capitalista.   Tem como meta o lucro acima de tudo e a idealização de produtos que fabriquem ilusões para as massas.

A Indústria Cultural congela a capacidade de pensar criticamente, e quem se desvia do consumo é tratado como anormal.

A cultura popular e a erudita são apropriadas e simplificadas e transformadas em produtos consumíveis sem originalidade e criatividade. Juntam-se a Indústria Cultural e os meios de comunicação criando a crença na liberdade individual. Cresce o sentimento de satisfação pelo consumo, como se através dele atingíssemos a  felicidade.

Apesar da arte sofrer consequências desastrosas parece que ela tende a uma forma de democratização através dos mecanismos de reprodução que atingem um número maior de pessoas.

QUEM LUCRA COM A ARTE?

A arte está ligada, desde sempre, à sensibilidade e à imaginação. Se antes era motivo de contemplação e interação, hoje é motivo de lucro.

A mudança de característica compromete seu valor crítico e acaba com a capacidade de julgamento do consumidor. Sendo esta arte produzida com o já conhecido e o experimentado, cessa a participação intelectual do público em sua análise. Ele não encontra nela as contradições do meio em que vive pois suas características contestatórias e transgressoras foram abafadas.

O sistema, ao deparar-se com manifestações desestabilizantes, rápidamente se apropria delas, introduzindo-as no mercado para neutralizá-la. Exemplo bem atual foi o que aconteceu com o graffitti.

O grafite surgiu, como um movimento de contra-cultura e resistência, vindo dos guetos norte-americanos e da revolta dos estudantes em 1968, na França. Hoje, absorvido pelo mercado, se transformou em telas e outros produtos vendáveis e está copletamente distante de sua essência transgressora.

Os grandes painéis feitos na rua, agora são financiados por particulares, que limitam sua temática, transformando a linguagem do grafite em mera ornamentação pois, mesmo que delatando algo, essa manifestação de dissolve com a sua apropriação pelo sistema da arte.

ARTE EM TEMPO MAIS ESCUROS

 Em meio à crise da pandemia, espaços culturais foram fechados e todas as atividades canceladas como prevenção à contaminação. Os artistas, que precisam de público para sua sobrevivência, se viram num beco sem saída. O pouco dinheiro ganho com espetáculos, shows, feiras e trabalhos informais neste período inexistentes, fragilizaram ainda mais a sua já precária inserção no mercado de trabalho. Sem carteira assinada nem direitos trabalhistas assegurados, a situação dos artistas escancarou sua cruel realidade. A situação do artista, de extrema informalidade, não é isolada. Nossa população tem cerca de 41,3% de trabalhadores sem nenhum direito garantido. Isso pode ser considerado como uma sociedade justa? Quem lucra com esta exploração incentivada por uma sucessão de governos que defendem o estado mínimo?

OS ARTISTAS E A REALIDADE ATUAL

 A classe dos artistas brasileiros precisa de uma política que dê conta desta atividade no dia a dia e não só nos momentos de crise.

Se alguém pensa que a cultura é um luxo se engana. As atividades artísticas fazem parte das nossas vidas cotidianamente. Vivemos aqui, no planeta terra, com muitas fomes. Além das fomes físicas necessitamos de outros alimentos. Nossa alma quer se encantar, se apaixonar, transcender e sonhar. Necessitamos criar redes de relações calcadas em valores que nos levem a outros patamares, por isso urge que nos libertemos deste globalizado capitalismo para a criação de um novo modo de viver, produzir, se relacionar com a natureza e com nosso semelhante.

Explorar sem limites todos os bens naturais, mercantilizar e especular financeiramente todas as coisas, querer o maior lucro dentro do menor tempo possível se apropriando da vida humana, é um fracasso em vez de uma vitória.

Precisamos de um tempo para o prazer. Prazer de conviver com as pessoas e com a natureza, ser alegre pelo simples ato de viver.

Como tudo isto não importa à cultura do capital, ele vende que o caminho para uma vida de satisfações só é alcançada pelo consumo.

Os assuntos aqui abordados são complexo e certamente só levantamos questões que precisam ser aprofundadas mais adiante. Mas pelo menos relembramos algumas etapas importantes da história da arte que contribuíram para que ela chegasse no estágio em que está hoje.

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No início do século 20, o telégrafo e o cinematógrafo influenciaram, na literatura ou no jornalismo, a criação de um estilo que mudou a forma de construção da frase ou da sequência narrativa. As sentenças longas e carregadas de adjetivos, perífrases e circunlóquios, muito comum na criação literária do século anterior, deram lugar à objetividade da ordem direta.

Na ficção, parágrafos curtos, cenas rápidas e poucas digressões; na poesia, versos enigmáticos, coloquialidade e o ritmo psicológico. Mutatis mutandis, o que me leva a considerar a respeito disso, no século 21, com duas décadas de trocas de mensagens por Redes Sociais é: que estilo – se é que teremos algum – pode surgir desse novo modo de comunicação escrita?

Voltando aos modernistas da Semana de 22, podem-se recolher muitos exemplos do uso popular da sintaxe telegráfica. Alguns, oriundos do jornalismo, estavam familiarizados com aquela produção escrita. Tal fenômeno acompanhou a fragmentação do sujeito nas grandes metrópoles. O texto enxuto, da frase curta, sem conetivos, imitava a velocidade das comunicações ou das ruas. Na poesia, a ausência de conetivos e preposições, substituídos pela justaposição, em forma de painel ou mosaico; a representação estética privilegiava a alegoria – o particular figurando o universal, e a metonímia – a parte pelo todo.

No pós-guerra, o novo jornalismo trouxe de volta os recursos literários da narrativa. Esta já havia incorporado, nas obras de ficção, a linguagem do roteiro cinematográfico, com seus planos, cortes e paralelismos para compor a cena. Foi a ascensão de nomes como Tom Wolfe, Truman Capote, Gay Talese, e no Brasil, Loyola Brandão. A seguir, mais uma vez, a pressa exigiu o manual da redação e o texto burocrático. A rede social e os seus 140 caracteres chegavam com tudo, em tuites e zap zaps. 

O que se vê hoje, nos textos de jovens e adolescentes, é uma escrita truncada em vez de telegráfica, cheia de abreviaturas e modismos gráficos dos emojis. O laconismo denuncia a precariedade,  em vez da insinuação ou da síntese; e o pressuposto no lugar do subtexto literário gerado pela polissemia ou pela metáfora. Com certeza, tais ferramentas não têm como criar os pontos de indeterminação, essência do texto literário. Sem contar que, com o corretor automático, não é preciso sequer guardar a forma adequada da palavra escrita. Ou seja, a juventude pode estar escrevendo muito mais, sem a vantagem residual do aprendizado da forma. Além disso, em vista da abundância do processo, a toxicidade de informação não deixa espaço para a associação de conteúdos e a reflexão a respeito de suas verdades.

Pergunta atualizada, em tempos de modernidade líquida e de liquidação da verdade factual: no que virou o sujeito moderno, agora enrolado nesta rede social que virou a vida urbana? Qual seu tamanho na sociedade conectada, ao alcance de todos, à vista de todos? Esta linguagem apressada parece mais o sintoma de uma carência: o sujeito reduzido em seu poder de palavra, rendido ao acervo da Inteligência Artificial, exilado permanente em seu lugar de fala. Tal estilo-sem-estilo, intraduzível fora dos aplicativos, não transborda para outras áreas da produção escrita. A não ser para prejudicar a eficácia da linguagem. Dificilmente teremos na literatura um tal de estilo whatsáppico – que por si só tem cara de frankenstein cibernético, possível monstrengo verbal da cybercultura. No entanto, há esperança no horizonte, com educadores e pedagogos sugerindo o banimento de smartphones das salas de aula. Melhor voltar àquela tecnologia inventada ainda no século II da nossa era: o livro.

Orlando Fonseca

Orlando Fonseca nasceu em Santa Maria, em 7 de outubro de 1955. Professor Titular aposentado da UFSM, onde atuou por 31 anos, na área de produção textual nos Cursos de Comunicação Social e Letras. Doutor em Teoria da Literatura, pela PUCRS, 1997, e Mestre em Literatura Brasileira pela UFSM, 1991. Exerceu o cargo de Secretário da Cultura de Santa Maria, no período de 2001-2004; Pró-Reitor de Graduação na UFSM, 2010-2013. Patrono da Feira do Livro de Santa Maria em 2005. Cronista do Jornal Diário de Santa Maria e Site claudemirpereira.com.br. Presidente do Conselho Municipal de Política Cultural (CMPC – 2018-2019); Presidente do Coletivo Memória Ativa (2018-). Autor colaborador no site da Rede Sina.

Veja também o livro dele publicado pela parceria Rede Sina/Bestiário:

LIVRO: AQUELES ANOS (SEM DOURADOS) DE ORLANDO FONSECA

No cenário cultural de Santa Maria, no Rio Grande do Sul, a Sina Poética desponta mais uma vez como uma expressão vibrante da arte literária. Além de celebrar Iemanjá, a 14ª edição do sarau, que ocorreu na sexta-feira, 2 de fevereiro, também foi marcada pelo anúncio do 1º Prêmio de Poesia, no qual autores e autoras nascidos ou residentes do município poderão se inscrever. A iniciativa faz parte dos projetos contemplados na Lei Paulo Gustavo.

A expectativa é que a premiação contribua para o enriquecimento cultural da cidade, incentivando a produção literária e promovendo a valorização da expressão artística. Os detalhes sobre as inscrições, critérios e premiações serão divulgados no mês de março.

Odoyá Senhora das Águas. Com este tema, a Sina Poética promoveu mais um evento para celebrar a poesia e Iemanjá, no Boteco da Maré. A primeira parte da noite contou com microfone aberto para manifestações literárias e artísticas. Na sequência, teve show com Eveliny, em ritmo de pré-Carnaval.

O sarau Sina Poética, idealizado pela Rede Sina, tornou-se uma tradição cultural na região, oferecendo um espaço acolhedor para a celebração da poesia em suas diversas formas.

A fundadora da Rede Sina, Melina Guterres que também atua como jornalista, editora e escritora, também é autora de uma das poesias que foi apresentada durante o sarau e está publicada no livro Engasgos. 

Confira como foi a 14ª Sina Poética:

 

 

 

 

 

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Show com Eveliny: 

 

 

 

 

 

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Mais informações:

Sarau Sina Poética
www.redesina.com.br/sinapoetica

História: Drive Sina Poética

Playlist no YouTube

Mostra de arte e poema a Iemanjá
www.redesina.com.br/mostraandodar

Mais sobre Melina
www.redesina.com.br/melinaguterres

Engasgos
https://redesina.com.br/?s=engasgos

Um dos talentos da música autoral em Santa Maria, Vini Brum, lança álbum de inéditas, “Sereno“, que conta com recursos captados via Lei Aldir Blanc. O show ocorre no próximo dia  18 de janeiro, uma quinta-feira, às 20h, no Espaço Cultural Victorio Faccin (TUI), Rua Duque de Caxias, 380, no Bairro do Rosário. Os ingressos antecipados podem ser adquiridos pela chave PIX 26.019.724/0001-70 (Grings) — R$ 20 (R$ 10 meia-entrada).

Ouça “Sereno”

Leia o review de “Sereno”

O lançamento do álbum Sereno é um oferecimento: Saurin Carrocerias, Pastelão, Pubi Handte, Mainz Cervejas Especiais, Luiz Coelho Imóveis e Del Fuego Carniceria. Apoio: Old School Pub, Caixa de Sons e Ardais Odontologia.

Vini Brum fala sobre Sereno

O show terá captação em áudio (Anderson Bitencourt) e vídeo (TV OVO/ Finish) com direção de Paulo Teixeira. O registro fotográfico é de Rafael Rappke e a luz conta com a assinatura de Vanessa Giovanella. A produção executiva e a realização é da Grings Tours.

Compre o CD

Vini acaba de lançar o videoclipe de “Lanhado”, primeiro single do álbum. O audiovisual foi gravado na Ruta 5, no Mercado Tacuarembó (Tacuarembó) e Festival Música, Fierro y Artes (Rivera), nos dias 25 e 26 de março de 2023 (Uruguai). As imagens são de Vítor César Borgias Vareiro e Gabriel ‘Piojo’ Teixeira (Doble A Films). A edição é de Fabiano Fogiatto Godinho.

Veja todas fotos em: https://www.facebook.com/associacaogauchadeescritores

A primeira apresesentação foi no Hall do Theatro Treze de Maio, após a exibição do documentário. Estiveram em cena as artistas Cler Garcia, Cristine Nunes, Edinara Leão. O segundo momento da leitura dramática foi no Bar e restaurante Mojju e contou também com a participação de Joel Cambraia. A próxima será com leitura de poemas na 12ª Sina Poética que deve ocorrer dia 05 de outubro, quinta, a partir das 19h30 no Old School Pub.

Segundo a diretora, Melina Guterres, o objetivo por enquanto é seguir o processo de formação tendo como primeiro foco a leitura dramática. As apresentação foram propostas em oficina ministrada pela diretora.

Oficina “Ódio Criativo”

O desenvolvimento do Núcleo ocorre através da “Oficina Ódio Criativo”, ministrada pela diretora, onde traz técnicas de interpretação, especialmente para cinema.  Melina Guterres, conhecida por Mel Inquieta é multipla. É jornalista de formação, roteirista, diretora, produtora, escritora, artista e empreendedora.

Na área de interpretação fez a escola e workshop da preparadora de elenco Fátima Toledo (São Paulo 2017-2018), Oficina da preparadora de elenco Estrela Strauss (São Paulo 2018), Escola Wolf Maia (Porto Alegre,2001), Oficina com diretor Miguel Rodrigues (2002), diversas oficinas com a atriz Eliane Carpes (1998-1995 / Santa Maria-RS).  Oficina com ator e diretor Alberto Rodrigues (1997). Oficina com atriz e diretora Olga Reverbel (Porto Alegre. 1996).  Também oficinas e workops de clown em Santa Maria (2005) e Salvador-BA (2004). Em 2019, em Santa Maria, produziu e fez a oficina com a atriz carioca Natasha Corbelino.

Como roteirista e diretora, assina os curtas “Assédio”, “Sempre Às Quartas”, “Case uma reabiliação é possível?”, “Resquícios”. Como roteirista teve argumento de longa contemplado no Programa Ibermedia por “Clandestinos – Brasil Sombrio”. Mais sobre em: https://redesina.com.br/melinaguterres/ 

A oficina “Ódio Criativo” trabalha com práticas do método Fátima Toledo, também do “Yo Afectado” de Augusto Fernandes, ambas que tem como base a memória emotiva Stanislavski. Também são utilizadas práticas do Método Feldenkrais e Bionergética.

Segundo Melina, a proposta é ir seguir com a oficina até o final do ano.

As aulas no momento estão sendo ofertadas apenas para convidados. Ainda não há previsão de data para oficina aberta ao público, mas nteressados podem entrar em contato pelo whats da Sina (5530295661) ou e-mail sinarede@gmail.com para mais informações.

Leitura no Theatro Treze de Maio

Leitura no Mojju Gastro Pub

Leia também sobre o livro:

22/09 – SEX – 17H | LANÇAMENTO DO LIVRO “A ÚLTIMA PRAIA DO BRASIL” DE BOCA MIGOTTO EM SANTA MARIA